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Las mejores obras teatrales de todos los tiempos

¿Cómo elegir exactamente entre las innumerables obras de arte dramático que se han escrito a lo largo de los siglos? Un factor es la popularidad a largo plazo; otro, que no puede separarse por completo del primero, es la universalidad. Ambas preguntas fueron parte del proceso de toma de decisiones al compilar la lista que sigue, y factores como la importancia e influencia histórica también fueron clave:

  • Hamlet, de William Shakespeare: ¿Qué no tiene esta tragedia? Hay poesía sublime, rica psicología para personajes de ambos sexos, una fuerte dosis de comedia para fermentar el estado de ánimo y, dependiendo de la interpretación del director, un buen misterio crepitante subyacente.
  • ¿Quién le teme a Virginia Wolf?, de Edward Albee: Dos parejas en una pequeña universidad de artes liberales de Nueva Inglaterra se enfrentan borrachas desde altas horas de la madrugada hasta casi el amanecer. Sus armas son sus palabras, y qué palabras son. La erudición y la blasfemia se mezclan en alturas líricas a medida que se revelan secretos, resentimientos e incluso afecto genuino.
  • Muerte de un vendedor, de Arthur Miller: Hay que prestar atención no solo a Willy Loman y las tristes realidades de su vida como un mediocre vendedor ambulante y las ilusiones que apenas lo mantienen a flote, sino también a la exquisita tragedia moderna de Miller sobre un ciudadano medio norteamericano de la época.
  • Edipo Rey, de Sófocles: Utilizada como ejemplo de escritura dramática en la Poética de Aristóteles , esta tragedia griega sigue siendo un pilar de la dramaturgia.
  • Tartuffe, de Molière: Simultáneamente desenfrenada y mordaz, esta comedia explora y expone la hipocresía que a menudo puede subyacer al fervor religioso y los extremos a los que los seguidores de un fanático llegarán para protegerlo a él o ella y sus creencias.
  • La importancia de ser serio, de Oscar Wilde: La habilidad incomparable de Wilde para hacer girar epigramas de corte es solo una de las razones por las que esta pieza ha perdurado. También está su gentil burla del clasismo y el chovinismo.
  • Cloud 9, de Caryl Churchill: Las vidas de la élite británica en la India de la era victoriana y entre un grupo de londinenses de hoy en día tienen similitudes sorprendentes en esta obra de género. 
  • Madame Butterfly, de David Henry Hwang: A veces, la verdad es de hecho más extraña que la ficción, como lo demostró la historia de la vida real de un diplomático francés que mantuvo una relación sexual con un cantante de ópera de Pekín durante años, sin tener en cuenta el género del intérprete. Hwang vio astutamente las posibilidades teatrales de la historia y creó una pieza que explora de manera emocionante los estereotipos raciales y sexuales.

Obras que despiertan la conciencia del público

Como hemos dicho, el teatro es ante todo un espectáculo visual y auditivo, de ahí la procedencia de su nombre. Aunque la mayor parte del tiempo se asocia con el ocio y el entretenimiento, no hay que olvidar que este arte comenzó como una manera de representación de ciertos ámbitos de la vida diaria, y que en muchas ocasiones sus historias pretendían mostrar enseñanzas y terminaban con moralejas, pensando que gracias al carácter artístico del teatro, calara con más facilidad entre el público.

Son muchas las compañías de teatro que en la actualidad han querido volver al origen del mismo; y por eso, en vez de obras clásicas y de carácter exclusivamente lúdico, algunas de ellas apuestan por un teatro alternativo y de calado social. Un buen ejemplo de ello es la obra «Porno VS Afrodita», presentada por el grupo de teatro vasco Benetan Be, que trata de ahondar en clave de humor en la sexualidad de hoy en día: el sexo para los jóvenes, la comunicación sexual entre padres e hijos, y la influencia de la pornografía en nuestra sociedad actual.

No hay duda de que el sexo es un tema importante en cualquier generación, aunque no todas están preparadas para asumirlas como algo natural, y enfrentarse a las dudas que a todos nos llegan a acechar de vez en cuando. Ahora mismo, en pleno siglo XXI, estamos en una época liberal, con acceso a informaciones de todo tipo y con todo tipo de medios, heredera de la llamada «revolución sexual», producida en el siglo anterior. Sin embargo, obras como esta demuestran que los conflictos tiene algún tipo de carácter cíclico, y que por mucho que investiguemos y queramos informarnos, los jóvenes tienen las mismas dudas sexuales que sus padres a su edad. Puede que no sobre los mismos temas, pero está claro que necesitan que se les aclaren multitud de temas, y que se les guíe para tener una vida sexual sana y plena.

El porno no es algo nuevo ni mucho menos, pero sin embargo irrumpió en nuestras vidas de forma masiva junto a la revolución tecnológica que se produjo también en el último siglo; y se convirtió en una preocupación para muchos padres, que entre prejuicios morales y falta de previsión, no supieran atajar algunos de sus efectos. Fue el porno online sin duda el que se llevó la palma, y con la generalización del uso de internet, querer controlarlo fue un caso perdido desde el principio; sin embargo, se demostró que prohibirlo no era muy efectivo, y aunque se toman y se siguen tomando medidas en el ciberespacio para evitar el acceso indiscriminado y sus posibles efectos, las páginas webs para adultos siguen subiendo como la espuma.

Pero no son estas páginas webs el problema en realidad, sino la forma en que encaramos la sexualidad, no queriendo verlo como algo natural y algo de lo que hay que hablar. El cine, el teatro, la pintura y, en general, la gran mayoría de las manifestaciones artísticas, se han llenado de sexualidad y erotismo, más que nada por ir con los tiempos actuales en los que vivimos. Sin embargo, en vez de abordar el asunto con esta mentalidad, no acabamos de entender que se tienen que contar las cosas como son, no andarse con subterfugios ni palabras ambivalentes; de esta manera, no habría que temer que este erotismo desmedido, o los temidos videos porno, influyeran sobre la población de tal manera que los llevara a creer que realmente el sexo entre dos personas, sean del género que sean, es lo que se ve ahí. Esto es arte, discutido o no; lo que sucede entre dos seres humanos, es la vida real.

Las mejores divas de Broadway de todos los tiempos

Los historiadores del musical de Broadway , desde la academia hasta el piano bar, tienden a estar de acuerdo en una cosa: la estrella arquetípica de Broadway es una mujer. Íconos como Ethel Merman, Mary Martin, Gwen Verdon y Carol Channing fueron los focos que iluminaron la Gran Vía Blanca en sus edades dorada y plateada, y aún dominan la mitología del género. Hay algo profundamente personal en elegir los favoritos de uno: en el pasado, los aficionados a las melodías discutían los méritos de Merman versus Martin; hoy, uno podría encontrar divisiones similares entre los partidarios de Patti LuPone y Bernadette Peters, o Kristin Chenoweth e Idina Menzel.

Hemos confeccionado una lista con atención a la historia, ya que sigue resonando entre los entusiastas del teatro musical en la actualidad. Esas son malas noticias para estrellas tempranas como Marilyn Miller y Fanny Brice, cuyas marcas se han desvanecido un poco con el tiempo, pero buenas para nuevos talentos como Audra McDonald y Jessie Mueller, que están redefiniendo lo que puede ser una diva de Broadway:

  • Ethel Merman
    Ningún artista encarna el espíritu de la Gran Vía Blanca más que Ethel Merman, la taquígrafa de Queens convertida en megáfono de Broadway. Después de saltar a la fama en 1930, cantando «I Got Rhythm» en la película Gershwin de 1930  Girl Crazy, permaneció en órbita durante décadas. Merman interpretó papeles principales en la friolera de 13 musicales originales, casi todos éxitos; entre los papeles que creó estaban Reno Sweeney en Anything Goes, Annie Oakley en Annie Get Your Gun y Rose Hovick en Gypsy. Tenía una voz que transmitía y transmitía espectáculos: su volumen de sirena aullante y su brío realista la convertían en un modelo de energía urbana bulliciosa; su robustez ayudó a impulsar el surgimiento del propio género musical de Broadway.
  • Patti LuPone
    LuPone es una verdadera actriz, así como la abanderada de una generación moderna de emocionantes trillers de cinturón alto impulsada a nuevas alturas por sus altísimos giros en «Meadowlark» y «A New Argentina». Sin embargo, después de incendiar Broadway con Evita y Anything Goes , se convirtió en una gran estrella en el exilio; los fanáticos de su glorioso canto, con su alegre estruendo y sus miradas lascivas, tuvieron que contentarse con conciertos. Ahora, en un segundo acto digno de cualquier gran espectáculo, LuPone ha recuperado su centro de atención en Broadway con una venganza, en las reestrenos de Sweeney Todd y especialmente de Gypsy, por lo que ganó su segundo Tony y ocupó el lugar que le correspondía como la diva reinante de su generación. 
  • Angela Lansbury
    ¿Alguna otra diva del teatro musical ha cubierto la amplitud de clases o estilos teatrales como Angela Lansbury, la intérprete inglesa que, a los 39 años, se reinventó a sí misma como una estrella de la comedia que noqueó? Comenzando con su interpretación como la perversa alcaldesa Cora Hoover Hooper en Stephen Sondheim y la efímera Anyone Can Whistle de Arthur Laurents  en 1964, Lansbury ha aportado destrezas cómicas y apariencias atrevidas a una amplia gama de proyectos originales y avivamientos, lo que le valió cinco premios Tony, incluidos cuatro incomparables a la Mejor Actriz en un Musical.
  • Liza Minnelli
    Nacida de una fusión en el mundo del espectáculo entre Judy Garland y Vincente Minnelli, Liza Minnelli lleva el espectáculo en la sangre y, en ese sentido, siempre ha sido cortadora, ansiosa por dedicarse a las tablas. Tenía solo 19 años cuando ganó su primer Tony por Flora, the Red Menace de 1965 y sus gestos característicos se han mantenido prácticamente intactas a lo largo de las décadas. Con cuatro Tonys, un Emmy y un Oscar a su nombre (este último por su actuación atemporal en Cabaret ), de alguna manera todavía parece precoz, como si buscara no solo el amor de la audiencia sino su aprobación.
  • Julie Andrews
    Para una protagonista que sirve como un ícono de las alegrías pasadas de moda de Rodgers y Hammerstein y Lerner y Loewe (fue la presentadora de la docuserie de PBS en 2004 Broadway: The American Musical), Julie Andrews no ha trabajado tanto en Broadway como se podría esperar. Debutó en la obra inglesa The Boy Friend (1954), que pronto superó con My Fair Lady (1956) y Camelot (1960). La estrella del escenario en ascenso luego se dirigió a las vitrinas de Hollywood y Disney, pero Andrews siempre ha llevado la antorcha para el escenario de Broadway, incluso en la pantalla.

Breve historia del teatro

La palabra teatro significa “lugar para ver”, pero el teatro es más que un edificio donde se representan obras. Es toda la idea detrás de lo que sucede allí. El teatro es donde los dramaturgos escriben guiones, los directores supervisan los ensayos, los escenógrafos y el equipo técnico trabajan detrás de escena, y los actores actúan en el escenario. Todas estas personas tienen un papel importante en el teatro, pero no es un verdadero teatro hasta que el público lo experimenta.

Cuándo comenzó exactamente el teatro, es todo un misterio. Los cazadores prehistóricos representaron historias sobre sus expediciones de caza. Los antiguos egipcios interpretaron canciones sagradas y bailaron para sus dioses en ceremonias religiosas, pero la idea del teatro como entretenimiento dramático llegó más tarde.

La primera forma registrada de teatro europeo comenzó en la Antigua Grecia alrededor del año 600 a. C. con un festival religioso en honor a Dionisio, el dios del vino y la fertilidad. Se ha dicho que un poeta llamado Thespis ganó un concurso de teatro en el festival. Debido a que se considera que es el primer actor, la gente a veces se refieren a actores como actores de teatro . Thespis también introdujo el uso de máscaras en el teatro griego. Las máscaras fueron diseñadas para mostrar la edad y la emoción. A las mujeres no se les permitía actuar, por lo que los hombres usaban máscaras femeninas e interpretaban sus papeles. En el teatro griego, la tragedia es el tipo de obra más admirada.

En el 300 a. C., los romanos se inspiraron en el arte, la cultura y el teatro griegos y escribieron versiones latinas de obras de teatro griegas. Las obras de comedia eran más populares que las tragedias. En el teatro romano, los esclavos actuaban como actores. A diferencia del teatro griego, a las mujeres se les permitió aparecer en el escenario, pero no desempeñaron papeles importantes. El teatro romano compitió por los públicos que asistían a carreras de carros, concursos de gladiadores y ejecuciones públicas. Esto provocó la necesidad de impresionantes teatros públicos. Durante los siguientes dos siglos, los romanos construyeron alrededor de 125 estructuras. Finalmente, las obras incluyeron violencia escénica y humor crudo. Los cristianos lo desaprobaron y cerraron todos los teatros.

Los edificios de teatro no estaban permitidos en toda Europa durante la época medieval, pero los actores ambulantes, conocidos como juglares, mantenían vivo el teatro junto con acróbatas, titiriteros, malabaristas y narradores de historias. Crearon un escenario al levantar una plataforma simple dondequiera que actuaran en pasillos, mercados y festivales. Los cristianos pensaban que este tipo de entretenimiento era un pecado, por lo que comenzaron su propio tipo de teatro. Durante un servicio del Domingo de Pascua, los sacerdotes representaron el significado del día santo para ayudar a enseñar a las personas que no sabían leer. Estas obras de teatro «milagrosas» se hicieron tan populares que no había suficiente espacio para actuar en la iglesia y se mudaron afuera. Todavía se consideraban eventos religiosos y no entretenimiento.

En el período del Renacimiento, desde el siglo XIV hasta el XVII, volvió el interés por el arte, la cultura y el teatro clásicos griegos y romanos. En este momento en Italia se desarrollaron dos grandes tradiciones de diseño teatral: el arco del proscenio que enmarca y divide el escenario del público, y el arte de pintar telas como telón de fondo de la escenografía. Otra gran influencia de esta región fue la  commedia dell ‘arte. Esta forma de teatro fue una actuación improvisada e ingeniosa por parte de actores errantes. Llevaban máscaras para retratar un elenco regular de personajes e iban formando sus líneas a medida que avanzaban. Las hijas y esposas de los actores fueron algunas de las primeras mujeres en actuar en teatro. En Inglaterra, la reina Isabel I apoyó decididamente el teatro. Durante la época isabelina, como se les conoce, comenzó su carrera el dramaturgo más famoso de la historia. Nacido en 1564, William Shakespeare fue un actor y poeta, que escribió obras de teatro para su compañía,  Lord Chamberlain’s Men .