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Destacados dramaturgos

Los dramaturgos, artífices de historias que cobran vida en los escenarios, son maestros en el arte de la creación teatral. A lo largo de la historia, han desempeñado un papel crucial en la evolución del teatro, explorando la condición humana, sus complejidades y contradicciones. Desde los clásicos griegos hasta los contemporáneos, los dramaturgos han dejado una huella indeleble en la cultura y el entendimiento de la sociedad.

La tradición dramatúrgica se remonta a la antigua Grecia, donde figuras como Sófocles, Esquilo y Eurípides forjaron el camino del teatro occidental. Sus tragedias y comedias no solo entretenían al público, sino que también exploraban cuestiones filosóficas, éticas y políticas. El teatro griego proporcionaba un espacio para la reflexión y la catarsis, y los dramaturgos eran considerados como intérpretes sagrados que abordaban temas fundamentales de la existencia humana.

En la época isabelina, William Shakespeare emergió como un gigante entre los dramaturgos. Sus obras, que abarcan tragedias como «Hamlet», comedias como «Sueño de una noche de verano» y obras históricas como «Enrique V», revelan una maestría en la exploración de la psicología humana. Shakespeare, a través de su genio literario, capturó la esencia de la condición humana en todas sus formas, desde la grandeza hasta la fragilidad.

El teatro del siglo XX vio una explosión de innovación y experimentación en manos de dramaturgos como Anton Chéjov, cuyas obras, como «La gaviota» y «Tío Vania», exploraron la melancolía y la complejidad de las relaciones humanas. En el teatro del absurdo, exponentes como Samuel Beckett («Esperando a Godot») y Eugene Ionesco («La cantante calva») desafiaron las convenciones teatrales tradicionales, explorando la absurdidad de la existencia humana en un mundo aparentemente sin sentido.

En el ámbito contemporáneo, dramaturgos como Tennessee Williams («Un tranvía llamado deseo»), Arthur Miller («Muerte de un viajante») y Harold Pinter («La fiesta de cumpleaños») continuaron explorando la psicología humana y las complejidades sociales. Sus obras abordaron temas como la alienación, el poder, la ambición y las tensiones familiares, resonando con audiencias de todo el mundo.

Los dramaturgos contemporáneos también han abrazado la diversidad de voces y experiencias. August Wilson, por ejemplo, con su ciclo de obras «The Pittsburgh Cycle», ofreció una visión única de la experiencia afroamericana en diferentes décadas del siglo XX. Suzan-Lori Parks, por otro lado, se destacó con su obra «Topdog/Underdog», que aborda temas de identidad y rivalidad entre hermanos.

La globalización y los avances tecnológicos han ampliado aún más la escena teatral, brindando a dramaturgos de diferentes culturas la oportunidad de compartir sus historias. El teatro contemporáneo refleja la diversidad del mundo, abordando temas como la migración, la identidad cultural y la crisis ambiental.

La labor del dramaturgo no se limita solo a la creación del texto. Muchas veces, estos artistas también desempeñan un papel activo en la dirección y producción de sus obras. La colaboración entre dramaturgos, directores y actores es esencial para llevar las historias a la vida de una manera auténtica y conmovedora.

En resumen, los dramaturgos han sido y continúan siendo arquitectos de la imaginación y la reflexión. Su capacidad para explorar las complejidades de la existencia humana, su valentía para desafiar convenciones y su habilidad para capturar la esencia de su tiempo los convierten en figuras fundamentales en el panorama cultural. Desde los tiempos antiguos hasta el presente, los dramaturgos han forjado un legado duradero, enriqueciendo nuestras vidas con sus relatos cautivadores y perspicaces.

La sexualidad en la obra de Shakespeare

En las comedias de Shakespeare, el sexo no solo está relacionado con el matrimonio, sino que es posterior a él. Próspero en La Tempestad le insiste a su futuro yerno que no rompa el “nudo virgen” de su prometida, Miranda, “antes de / Todas las ceremonias santurronas puedan / Con completo y sagrado rito ser ministradas”, no sea que “estériles odio, / desdén de ojos amargos, y discordia. . . esparció / La unión de tu cama con las malas hierbas tan repugnantemente / Que las odiarás a ambas”. Ferdinand y Miranda están fervientemente de acuerdo, a pesar de que se encuentran en una isla lejana donde la diversión parece estar a salvo de miradas indiscretas.

Las parejas de las primeras comedias románticas muestran una disposición similar hacia la conducta casta hasta que se casan. En Sueño de una noche de verano , las dos parejas románticas, Lysander y Hermia, Demetrius y Helena, se encuentran durmiendo juntos en el suelo después de su noche de aventuras en el Bosque de Arden, en una configuración tan sugerentemente erótica que el duque Teseo, al toparse con ellos durante su cacería matutina, bromea: “San Valentín ha pasado. / ¿Empiezan estos pájaros del bosque a aparearse ahora?, pero sabemos como audiencia que han sido colocados donde están por el control mágico de Puck y ni siquiera saben con quién están mintiendo. Y lo mismo ocurre con Bassanio y Portia en El mercader de Venecia , Benedick y Beatrice en Mucho ruido y pocas nueces , Orlando y Rosalind en Como gustéis , Orsino y Viola en Noche de Reyes , y otros más. Alfred Harbage argumenta en su As They Liked It (1947) que Shakespeare está aceptando el código moral de su popular audiencia londinense. No es raro que exhorte a sus fuentes a este respecto. En la historia fuente de Noche de Reyes , por ejemplo, Silvio (el equivalente de Sebastián) deja embarazada a Julina (la condesa Olivia), dejándola a ella y a Silla (Viola) en un dilema aparentemente imposible cuando parece que el amante de Julina y el presunto padre del niño esperado es en realidad una mujer . Shakespeare deja fuera el embarazo.

Esto no quiere decir, sin embargo, que el amor romántico transcurra sin problemas entre los amantes jóvenes y bien educados de las primeras comedias de Shakespeare. Como Lysander observa sabiamente en Sueño de una noche de verano “El curso del verdadero amor nunca transcurrió sin problemas”. Está plagado, como explica Lysander, de discrepancias en el rango hereditario o la edad, o enemistades entre familias, o autoridad paterna inflexible, o “Guerra, muerte y enfermedad”. Estos obstáculos hostiles no son menos evidentes en Romeo y Julieta , una de las primeras tragedias en sintonía con las vejaciones de las primeras comedias románticas.

Si la atracción homosexual juega un papel importante en la descripción de la sexualidad de Shakespeare es un tema muy debatido. Ciertamente, el delicioso asunto de los jóvenes actores masculinos que interpretan papeles de mujeres que luego se disfrazan de hombres, a veces adoptando nombres como Ganímedes, permite la sugerencia erótica. Las compañías de actores de hoy en día generalmente ven a Antonio en Noche de Reyes como atraído sexualmente por Sebastián, como cuando Antonio suplica que se le permita acompañar a Sebastián en Iliria, independientemente de los peligros que puedan surgir: «Si no me asesinas por mi amor, déjame ser tu sirviente» insiste Antonio. Otro Antonio, en El mercader de Venecia , es retratado muy a menudo como enamorado de Bassanio, como en la realización del papel de Jeremy Iron en la película generalmente excelente de Michael Radford de 2004. Tal es mi amor de Joseph Pequigney (1955) sostiene que los sonetos de Shakespeare describen una relación homoerótica consumada. Los puntos de vista más cautelosos ven una expresión innegablemente fuerte de un vínculo emocional necesario y, a veces, inquietante entre el presunto autor masculino y su amigo aristocrático, al mismo tiempo que señalan que la ficción de los sonetos, incluso si debe tomarse como parcialmente autobiográfica, termina en una narración de la amarga decepción del poeta-orador por haber sido traicionado por su amante «dama oscura» y el amigo aristocrático. Los hombres en el período moderno temprano hablaban con frecuencia de su «amor» por otros hombres en formas que no necesariamente implican un enredo erótico.

¿Teatro erótico o espectáculos de porno en vivo?

La sexualidad ha inspirado el mundo del arte desde que se tiene memoria; son muchos los artistas de cualquier disciplina que confiesan haber creado sus mejores obras basadas en sus experiencias en relación al sexo. Se podría decir que de ahí nació el erotismo, una forma de expresar los sentimientos placenteros que el sexo producía y evocarlos en los demás; que no de compartirlos, porque para eso ya nació otra forma de expresión: la pornografía.

El teatro clásico no escenificaba ningún expresión carnal en sus escenarios (recordemos que iban vestidos con túnicas y cubiertos con máscaras), pero sus historias reflejaban todas las pasiones humanas: amor, odio, alegría, tristeza, ira, celos, venganzas… y la atracción de los amantes, por la que se rompían reglas sociales y se cometían algunas acciones que iban en contra de la ética. Conforme avanzaron los siglos la sociedad evolucionaba, pero sus reglas morales se hacían más estrictas; y todas esas emociones que inspiraban a los artistas pues no podían ser mostradas de forma abierta. Luego ciertas revoluciones del siglo pasado cambiaron algo las cosas, y como una forma de protesta algunos colectivos usaron las bajas pasiones para hacerlas evidentes en el arte; como se suele decir, sacaron las sábanas a secar al aire. ¿Y dónde deja eso al teatro actual?

¿Existe el teatro porno? Bueno, si por porno esperas ver todo aquello que muestran los videos xxx de las webs para adultos, la respuesta es no; no, al menos, en los teatros convencionales. Y, de todas formas, ni siquiera a las obras más transgresoras se les da el calificativo de pornográficas; aunque claro, alguna hay. El problema es que no parece que el público que es tan liberal incluso para reconocerte que es consumidor de porno habitual, esté preparado para contemplar sexo explícito sobre un escenario. Por mucho que nos parezca arcaico, es algo que nos gusta disfrutar en privado, ya sea practicándolo o nosotros o viéndolo por la tele o el ordenador; y mucho menos compartir sus efectos en nosotros con otros congéneres.

Sin embargo, desde hace un tiempo parece que el mundo de teatro está dispuesto a realizar producciones más rompedoras. Así, ahora podemos encontrar espectáculos eróticos en muchas de las grandes salas de teatro de muchas ciudades; en concreto, en nuestro país es pionera en ello, pero también se han apuntado otras, como Barcelona o Valencia. ¿Está el público preparado para esto? Bien, a pesar de las circunstancias que llevó a muchos teatros a cerrar durante casi dos años, las cifras no mienten: la venta de entradas ha ido creciendo tímidamente, pero con constancia. No negaré que muchos de los que acuden a ver estas obras teatrales pueden sentirse atraídos por el morbo o la curiosidad; y que algunos de ellos aprovechen para hacerse un trabajito en la oscuridad, o que se lo hagan. Pero con respecto a los actores y profesionales que colaboran en la función, hay que decir que su trabajo es impecable. ¿Podrán ver influenciadas sus carreras de mala manera por haber aceptado trabajar en estos espectáculos de erotismo? Eso el tiempo lo dirá, pero no lo toman como si hicieran algo amoral, sino como un campo más en el que incursionar en sus carreras teatrales.

Muchos calificarán estas obras como pornografía oculta, pero no sería la primera vez que ocurriera. La época del destape marcó toda una época en España; y mientras en los cines se proyectaban películas «verdes» y nuestras actrices se quitaban la ropa con total naturalidad, en las salas de teatro apareció un nuevo género: la revista. ¿Que aquello no era pornografía ni baile erótico? Bueno, las vedettes no iban precisamente vestidas de monja, ni el cuerpo de baile tampoco. Estos espectáculos, que mezclan cante y baile con alguna línea de argumentación simple, llegaron directamente desde el género de los musicales teatrales, pero ¿acaso en aquellos el vestuario era tan escaso? Vamos, que lo de calentar al personal estaba muy presente en los creadores de la revista, y desde luego no fallaron en su objetivo. De aquellos musicales salieron muchas grandes artistas, que eran buenas bailarinas y cantantes, pero oye, estaban buenas que te cagas y enseñaban carne como nadie.

Las mejores obras teatrales de todos los tiempos

¿Cómo elegir exactamente entre las innumerables obras de arte dramático que se han escrito a lo largo de los siglos? Un factor es la popularidad a largo plazo; otro, que no puede separarse por completo del primero, es la universalidad. Ambas preguntas fueron parte del proceso de toma de decisiones al compilar la lista que sigue, y factores como la importancia e influencia histórica también fueron clave:

• Hamlet, de William Shakespeare: ¿Qué no tiene esta tragedia? Hay poesía sublime, rica psicología para personajes de ambos sexos, una fuerte dosis de comedia para fermentar el estado de ánimo y, dependiendo de la interpretación del director, un buen misterio crepitante subyacente.
• ¿Quién le teme a Virginia Wolf?, de Edward Albee: Dos parejas en una pequeña universidad de artes liberales de Nueva Inglaterra se enfrentan borrachas desde altas horas de la madrugada hasta casi el amanecer. Sus armas son sus palabras, y qué palabras son. La erudición y la blasfemia se mezclan en alturas líricas a medida que se revelan secretos, resentimientos e incluso afecto genuino.
• Muerte de un vendedor, de Arthur Miller: Hay que prestar atención no solo a Willy Loman y las tristes realidades de su vida como un mediocre vendedor ambulante y las ilusiones que apenas lo mantienen a flote, sino también a la exquisita tragedia moderna de Miller sobre un ciudadano medio norteamericano de la época.
• Edipo Rey, de Sófocles: Utilizada como ejemplo de escritura dramática en la Poética de Aristóteles , esta tragedia griega sigue siendo un pilar de la dramaturgia.
• Tartuffe, de Molière: Simultáneamente desenfrenada y mordaz, esta comedia explora y expone la hipocresía que a menudo puede subyacer al fervor religioso y los extremos a los que los seguidores de un fanático llegarán para protegerlo a él o ella y sus creencias.
• La importancia de ser serio, de Oscar Wilde: La habilidad incomparable de Wilde para hacer girar epigramas de corte es solo una de las razones por las que esta pieza ha perdurado. También está su gentil burla del clasismo y el chovinismo.
• Cloud 9, de Caryl Churchill: Las vidas de la élite británica en la India de la era victoriana y entre un grupo de londinenses de hoy en día tienen similitudes sorprendentes en esta obra de género. 
• Madame Butterfly, de David Henry Hwang: A veces, la verdad es de hecho más extraña que la ficción, como lo demostró la historia de la vida real de un diplomático francés que mantuvo una relación sexual con un cantante de ópera de Pekín durante años, sin tener en cuenta el género del intérprete. Hwang vio astutamente las posibilidades teatrales de la historia y creó una pieza que explora de manera emocionante los estereotipos raciales y sexuales.

Obras que despiertan la conciencia del público

Como hemos dicho, el teatro es ante todo un espectáculo visual y auditivo, de ahí la procedencia de su nombre. Aunque la mayor parte del tiempo se asocia con el ocio y el entretenimiento, no hay que olvidar que este arte comenzó como una manera de representación de ciertos ámbitos de la vida diaria, y que en muchas ocasiones sus historias pretendían mostrar enseñanzas y terminaban con moralejas, pensando que gracias al carácter artístico del teatro, calara con más facilidad entre el público.

Son muchas las compañías de teatro que en la actualidad han querido volver al origen del mismo; y por eso, en vez de obras clásicas y de carácter exclusivamente lúdico, algunas de ellas apuestan por un teatro alternativo y de calado social. Un buen ejemplo de ello es la obra «Porno VS Afrodita», presentada por el grupo de teatro vasco Benetan Be, que trata de ahondar en clave de humor en la sexualidad de hoy en día: el sexo para los jóvenes, la comunicación sexual entre padres e hijos, y la influencia de la pornografía en nuestra sociedad actual.

No hay duda de que el sexo es un tema importante en cualquier generación, aunque no todas están preparadas para asumirlas como algo natural, y enfrentarse a las dudas que a todos nos llegan a acechar de vez en cuando. Ahora mismo, en pleno siglo XXI, estamos en una época liberal, con acceso a informaciones de todo tipo y con todo tipo de medios, heredera de la llamada «revolución sexual», producida en el siglo anterior. Sin embargo, obras como esta demuestran que los conflictos tiene algún tipo de carácter cíclico, y que por mucho que investiguemos y queramos informarnos, los jóvenes tienen las mismas dudas sexuales que sus padres a su edad. Puede que no sobre los mismos temas, pero está claro que necesitan que se les aclaren multitud de temas, y que se les guíe para tener una vida sexual sana y plena.

El porno no es algo nuevo ni mucho menos, pero sin embargo irrumpió en nuestras vidas de forma masiva junto a la revolución tecnológica que se produjo también en el último siglo; y se convirtió en una preocupación para muchos padres, que entre prejuicios morales y falta de previsión, no supieran atajar algunos de sus efectos. Fue el porno online sin duda el que se llevó la palma, y con la generalización del uso de internet, querer controlarlo fue un caso perdido desde el principio; sin embargo, se demostró que prohibirlo no era muy efectivo, y aunque se toman y se siguen tomando medidas en el ciberespacio para evitar el acceso indiscriminado y sus posibles efectos, las páginas webs para adultos siguen subiendo como la espuma.

Pero no son estas páginas webs el problema en realidad, sino la forma en que encaramos la sexualidad, no queriendo verlo como algo natural y algo de lo que hay que hablar. El cine, el teatro, la pintura y, en general, la gran mayoría de las manifestaciones artísticas, se han llenado de sexualidad y erotismo, más que nada por ir con los tiempos actuales en los que vivimos. Sin embargo, en vez de abordar el asunto con esta mentalidad, no acabamos de entender que se tienen que contar las cosas como son, no andarse con subterfugios ni palabras ambivalentes; de esta manera, no habría que temer que este erotismo desmedido, o los temidos videos porno, influyeran sobre la población de tal manera que los llevara a creer que realmente el sexo entre dos personas, sean del género que sean, es lo que se ve ahí. Esto es arte, discutido o no; lo que sucede entre dos seres humanos, es la vida real.

Las mejores divas de Broadway de todos los tiempos

Los historiadores del musical de Broadway , desde la academia hasta el piano bar, tienden a estar de acuerdo en una cosa: la estrella arquetípica de Broadway es una mujer. Íconos como Ethel Merman, Mary Martin, Gwen Verdon y Carol Channing fueron los focos que iluminaron la Gran Vía Blanca en sus edades dorada y plateada, y aún dominan la mitología del género. Hay algo profundamente personal en elegir los favoritos de uno: en el pasado, los aficionados a las melodías discutían los méritos de Merman versus Martin; hoy, uno podría encontrar divisiones similares entre los partidarios de Patti LuPone y Bernadette Peters, o Kristin Chenoweth e Idina Menzel.

Hemos confeccionado una lista con atención a la historia, ya que sigue resonando entre los entusiastas del teatro musical en la actualidad. Esas son malas noticias para estrellas tempranas como Marilyn Miller y Fanny Brice, cuyas marcas se han desvanecido un poco con el tiempo, pero buenas para nuevos talentos como Audra McDonald y Jessie Mueller, que están redefiniendo lo que puede ser una diva de Broadway:

• Ethel Merman
  Ningún artista encarna el espíritu de la Gran Vía Blanca más que Ethel Merman, la taquígrafa de Queens convertida en megáfono de Broadway. Después de saltar a la fama en 1930, cantando «I Got Rhythm» en la película Gershwin de 1930  Girl Crazy, permaneció en órbita durante décadas. Merman interpretó papeles principales en la friolera de 13 musicales originales, casi todos éxitos; entre los papeles que creó estaban Reno Sweeney en Anything Goes, Annie Oakley en Annie Get Your Gun y Rose Hovick en Gypsy. Tenía una voz que transmitía y transmitía espectáculos: su volumen de sirena aullante y su brío realista la convertían en un modelo de energía urbana bulliciosa; su robustez ayudó a impulsar el surgimiento del propio género musical de Broadway.
• Patti LuPone
  LuPone es una verdadera actriz, así como la abanderada de una generación moderna de emocionantes trillers de cinturón alto impulsada a nuevas alturas por sus altísimos giros en «Meadowlark» y «A New Argentina». Sin embargo, después de incendiar Broadway con Evita y Anything Goes , se convirtió en una gran estrella en el exilio; los fanáticos de su glorioso canto, con su alegre estruendo y sus miradas lascivas, tuvieron que contentarse con conciertos. Ahora, en un segundo acto digno de cualquier gran espectáculo, LuPone ha recuperado su centro de atención en Broadway con una venganza, en las reestrenos de Sweeney Todd y especialmente de Gypsy, por lo que ganó su segundo Tony y ocupó el lugar que le correspondía como la diva reinante de su generación. 
• Angela Lansbury
  ¿Alguna otra diva del teatro musical ha cubierto la amplitud de clases o estilos teatrales como Angela Lansbury, la intérprete inglesa que, a los 39 años, se reinventó a sí misma como una estrella de la comedia que noqueó? Comenzando con su interpretación como la perversa alcaldesa Cora Hoover Hooper en Stephen Sondheim y la efímera Anyone Can Whistle de Arthur Laurents  en 1964, Lansbury ha aportado destrezas cómicas y apariencias atrevidas a una amplia gama de proyectos originales y avivamientos, lo que le valió cinco premios Tony, incluidos cuatro incomparables a la Mejor Actriz en un Musical.
• Liza Minnelli
  Nacida de una fusión en el mundo del espectáculo entre Judy Garland y Vincente Minnelli, Liza Minnelli lleva el espectáculo en la sangre y, en ese sentido, siempre ha sido cortadora, ansiosa por dedicarse a las tablas. Tenía solo 19 años cuando ganó su primer Tony por Flora, the Red Menace de 1965,  y sus gestos característicos se han mantenido prácticamente intactas a lo largo de las décadas. Con cuatro Tonys, un Emmy y un Oscar a su nombre (este último por su actuación atemporal en Cabaret ), de alguna manera todavía parece precoz, como si buscara no solo el amor de la audiencia sino su aprobación.
• Julie Andrews
  Para una protagonista que sirve como un ícono de las alegrías pasadas de moda de Rodgers y Hammerstein y Lerner y Loewe (fue la presentadora de la docuserie de PBS en 2004 Broadway: The American Musical), Julie Andrews no ha trabajado tanto en Broadway como se podría esperar. Debutó en la obra inglesa The Boy Friend (1954), que pronto superó con My Fair Lady (1956) y Camelot (1960). La estrella del escenario en ascenso luego se dirigió a las vitrinas de Hollywood y Disney, pero Andrews siempre ha llevado la antorcha para el escenario de Broadway, incluso en la pantalla.

Breve historia del teatro

La palabra teatro significa “lugar para ver”, pero el teatro es más que un edificio donde se representan obras. Es toda la idea detrás de lo que sucede allí. El teatro es donde los dramaturgos escriben guiones, los directores supervisan los ensayos, los escenógrafos y el equipo técnico trabajan detrás de escena, y los actores actúan en el escenario. Todas estas personas tienen un papel importante en el teatro, pero no es un verdadero teatro hasta que el público lo experimenta.

Cuándo comenzó exactamente el teatro, es todo un misterio. Los cazadores prehistóricos representaron historias sobre sus expediciones de caza. Los antiguos egipcios interpretaron canciones sagradas y bailaron para sus dioses en ceremonias religiosas, pero la idea del teatro como entretenimiento dramático llegó más tarde.

La primera forma registrada de teatro europeo comenzó en la Antigua Grecia alrededor del año 600 a. C. con un festival religioso en honor a Dionisio, el dios del vino y la fertilidad. Se ha dicho que un poeta llamado Thespis ganó un concurso de teatro en el festival. Debido a que se considera que es el primer actor, la gente a veces se refieren a actores como actores de teatro . Thespis también introdujo el uso de máscaras en el teatro griego. Las máscaras fueron diseñadas para mostrar la edad y la emoción. A las mujeres no se les permitía actuar, por lo que los hombres usaban máscaras femeninas e interpretaban sus papeles. En el teatro griego, la tragedia es el tipo de obra más admirada.

En el 300 a. C., los romanos se inspiraron en el arte, la cultura y el teatro griegos y escribieron versiones latinas de obras de teatro griegas. Las obras de comedia eran más populares que las tragedias. En el teatro romano, los esclavos actuaban como actores. A diferencia del teatro griego, a las mujeres se les permitió aparecer en el escenario, pero no desempeñaron papeles importantes. El teatro romano compitió por los públicos que asistían a carreras de carros, concursos de gladiadores y ejecuciones públicas. Esto provocó la necesidad de impresionantes teatros públicos. Durante los siguientes dos siglos, los romanos construyeron alrededor de 125 estructuras. Finalmente, las obras incluyeron violencia escénica y humor crudo. Los cristianos lo desaprobaron y cerraron todos los teatros.

Los edificios de teatro no estaban permitidos en toda Europa durante la época medieval, pero los actores ambulantes, conocidos como juglares, mantenían vivo el teatro junto con acróbatas, titiriteros, malabaristas y narradores de historias. Crearon un escenario al levantar una plataforma simple dondequiera que actuaran en pasillos, mercados y festivales. Los cristianos pensaban que este tipo de entretenimiento era un pecado, por lo que comenzaron su propio tipo de teatro. Durante un servicio del Domingo de Pascua, los sacerdotes representaron el significado del día santo para ayudar a enseñar a las personas que no sabían leer. Estas obras de teatro «milagrosas» se hicieron tan populares que no había suficiente espacio para actuar en la iglesia y se mudaron afuera. Todavía se consideraban eventos religiosos y no entretenimiento.

En el período del Renacimiento, desde el siglo XIV hasta el XVII, volvió el interés por el arte, la cultura y el teatro clásicos griegos y romanos. En este momento en Italia se desarrollaron dos grandes tradiciones de diseño teatral: el arco del proscenio que enmarca y divide el escenario del público, y el arte de pintar telas como telón de fondo de la escenografía. Otra gran influencia de esta región fue la  commedia dell ‘arte. Esta forma de teatro fue una actuación improvisada e ingeniosa por parte de actores errantes. Llevaban máscaras para retratar un elenco regular de personajes e iban formando sus líneas a medida que avanzaban. Las hijas y esposas de los actores fueron algunas de las primeras mujeres en actuar en teatro. En Inglaterra, la reina Isabel I apoyó decididamente el teatro. Durante la época isabelina, como se les conoce, comenzó su carrera el dramaturgo más famoso de la historia. Nacido en 1564, William Shakespeare fue un actor y poeta, que escribió obras de teatro para su compañía,  Lord Chamberlain’s Men .